QUIETO

Quieto,
no muevas tu cuerpo,
estás sellado a mí, como la piedra a su lecho.
Si te marchases ahora dejarías el hueco
descolorido, el resto amarillento,
el vacío rastro.
Quieto,
no muevas tus manos,
deja que describan su propio surco
en la tierra de mi cuerpo,
muy adentro, cerca del manto ácido
de mi suelo.
Quieto,
abraza mi noche
con tus brazos de espesura
poderosos y lentos como raíces
arrancando el agua del centro de la tierra.

Respira en mi niebla, aullido de lobo acechando,
abrazando la foresta húmeda
y respira el olor a musgo
húmedo y oculto
bajo tu peso de sabio.

O escapa,
ahora
brama al cielo tu locura,
todo tu dolor y desarraigo en fuga,
quedará amarillo el rastro y el lecho muerto
bajo tu peso de piedra.

ana

REMORD

Se mueven, resbalan,

fluyen bajo el tiempo

inmóviles como la muerte.

Son el perfil de la nada, volando,

sucediéndose.

Son la línea rota de la piel,

las heridas que la lluvia produjo en los ojos,

Resbalan, se deslizan insomnes

por el líquido infernal que atraviesa tus venas.

Son los tumultos, los grumos de tu savia

obstruyendo

cada recodo de tu cuerpo.

No hay aves ni peces

que recorran este santuario

para infieles,

sólo lombrices horadando desde dentro

tu carne yerma,

recorriendo el perfil

de lo que ya no vuela,

de lo que flota sin sentido.

Hay disculpas burbujeando en la sangre,

gritos arañando,

uñas secas y rotas.

Hay bullicio de corrientes

ventanucos altos

abiertos de porvida al recuerdo,

procurando enfriar el magma de nuestras sienes.

Hay serpientes en ese sueño líquido

y en el abismo de esa noche

que se arrastran y huyen

a esconderse bajo ese mar estancado,

agazapadas .

ana

Cuadro: "Lo Que El Agua Me Dio" ("Lo que vi en el agua") de Frida Kahlo, óleo en tela 1938

En esta obra Kahlo transfiere torbellinos de experiencias. Extremadamente dolorosas tanto físicas, como espirituales. En pocos trazos: un diluvio. Donde con un patetismo lacerante: revela y valida su biografía.El agua, al no llenar la bañadera indica que la artista deseaba vivir muchos años más. Kahlo enmudece 16 años más tarde.En esta obra abundan los símbolos que conforman su vida. En un círculo concéntrico sin ángulos, donde no pueden refugiarse, ni esconder, los sufrimientos sempiternos, delirantes y rutinarios.

Símbolos en el cuadro:

Que dejan de serlo para convertirse en un grito de verdad real y cruda. Su dolor es el diablo encarnado, en lentitud de tiempo sin horas. Sus pies deformados por la polio y después por las secuelas del accidente que sufrió. Su gozo sexual con ardor lesbiano. Aunque era bisexual.Su belleza de flor de cactus: única, pero rodeada de espinas.El vestido con miriñaque. Raíces de plantas con bulbos sin abrir, enlazados con un moño de pasión sin florecer; su maternidad frustrada. La figura de Trotsky, a quien amó y con quien compartió ideas comunistas. La figura de su adorado padre, fotógrafo Húngaro de descendencia Judía. El cuerpo de Kahlo, flotando su muerte con la soga que amarrada a una roca estrangula su cuello. Del otro lado la soga sostenida por Diego Rivera ciñe su cintura. En esa soga se van arrastrando serpientes y otros demonios que pululan y perturban: las vicisitudes que atormentan su vida. Un velero que se aleja sin la respuesta deseada. Una calavera que observa. El águila, (símbolo de USA) que yace muerta sobre la cúpula del árbol. Kahlo odiaba a Norteamérica. La montaña azteca, destacando la cultura mexicana de la cual tan orgullosa se sentía. Y por último el Rockefeller Center que les produjo el tremebundo disgusto! a Diego Rivera su esposo y a ella. Pues los ejecutivos yanquis no le permitieron los trazos comunistas en el mural que estaba a medio terminar. Le ordenaron a Diego que lo borrara. Tuvo que acatar. El escándalo férreo y candente prevaleció y prevalecerá por ser tan inconcebible!
Eve Cané / Deméter

New York, 02/14/2008

LA CONDICIÓN HUMANA

MADUREZ

La madurez es una etapa en la vida del ser humano.
Ser maduro consiste en reconocer la realidad tal cual es, evitando disfrazarla, escapar de ella, ignorarla. Buscar la verdad y desconfiar de quienes dicen poseerla. Perder la ingenuidad e idealismo desmadrados, caer del guindo sin estrellarse, tocar con los pies el suelo... y, sin embargo, continuar soñando. O sea, vivo. Hacer humor con lo más serio y, sobre todo, con uno mismo.

Ser maduro es controlar los impulsos, las ideas locas, evitar lo excesivo, cuidar las formas, manejar los tiempos, saber callar y desaparecer a tiempo. Mirar a los ojos pero guardar distancias. Nunca dar un consejo si no te lo piden. Evitar levantar la voz o exagerar los gestos cuando se habla con enfado o de algo que importa mucho. Saber resistir a la frustración, el estrés, el dolor, los disgustos, las traiciones… Sin por ello caer en el derrotismo, la sumisión, el desencanto...

Para la madurez afectiva es también muy importante el ambiente en el que se educa. Si el ambiente es de cariño y aceptación, la persona asimila los criterios sobre el bien y el mal. Si lo que hay es temor en la infancia, no se asimilan los valores; y al llegar a la adolescencia aparece la rebelión de una forma exagerada. La falta de cariño produce inseguridad y un sentimiento de minusvalía. Unida a la inseguridad surge la angustia y con ella otros problemas de mayor calado.

Ser maduro, en fin, es haber conquistado la flexibilidad sin perder las convicciones, ser comprensivo, compasivo, dialogante, estar abierto al pacto, al debate razonable, a la generosidad del olvido y la sonrisa que acoge. La persona madura halla un modo diferente de estar en el mundo, de reaccionar a las adversidades, de interpretar los eventos, de valorarlos y de implicarse en ellos. Se deja arrastrar menos por las circunstancias, sean estas favorables o desfavorables. Porque la madurez permite ver el lado bueno de las experiencias adversas y relativizar el de las experiencias positivas.

Si Peter Pan viniera...

El cuadro "La condición humana" René Magritte

René Magritte nació en Bélgica el 21 de Noviembre de 1898. Perteneció al grupo surrealista de París del que también formaban parte Jean Arp, André Bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró. Su exposición de 1936 en Nueva York alcanzó fama mundial. En 1956 recibió el Premio Guggenheim. Murió en Bruselas en 1967.
La obra de Magritte es una permanente invitación a la reflexión a partir de los objetos más cotidianos. Por ello, a su obra a veces se la califica de "realismo mágico" y él fue uno de los mejores "magos de la realidad".
Hoy se cumple el 110 aniversario de su nacimiento.

ana

"SOROLLA. VISION DE ESPAÑA" EN BILBAO

El pasado lunes 13 tuve la suerte de poder asistir como invitada, gracias a mis amigos Elena y Andrés, a la inauguración de la Exposición "Sorolla. Visión de España", una de las obras cumbre del pintor valenciano Joaquín Sorolla compuesta por catorce lienzos de gran tamaño en los que se recogen algunas escenas costumbristas de diferentes regiones de España. Obra que fue encargada al pintor español en 1911, por el hispanista norteamericano Milton Hungtington con intención de decorar una de las salas de la Hispanic Society de Nueva York, que fundó a principios del siglo XX con el objetivo de dar a conocer la cultura española en los Estados Unidos. Esta sala, en un principio proyectada para ser una biblioteca, finalmente quedó convertida en la "Sala Sorolla".
Las obras, que es la primera vez que salen de su emplazamiento original, han sido restauradas para la ocasión por un equipo de expertos conjunto entre Bancaja y la Hispanic Society. El director de esta entidad, Mitchell Coding, también presente en el acto, ha destacado además la restauración a la que se ha sometido a las obras aprovechando su traslado. Tal y como se ha explicado, la restauración, en la que han colaborado técnicos de la Universidad de Valencia, Bancaja y la entidad norteamericana, "mejora la calidad de los cuadros ya que pueden apreciarse detalles que se habían perdido o difuminado con el tiempo".

Durante 1912, Joaquín Sorolla (1863-1923) se dedicó a recorrer la geografía española, captando imágenes de tipos para construir después la gran decoración de la Hispanic Society. En 1913 cambió de opinión y, aunque no dejó de usar algunos de los cuadros de tipos, empezó a pintar los paneles directamente del natural; ese año hizo el monumental "La fiesta del pan. Castilla".
Durante el año siguiente realizó cinco paneles, "Los nazarenos". Sevilla (marzo-abril), "La jota". Aragón (verano), "El concejo del Roncal". Navarra (verano), "Los bolos". Guipúzcoa (septiembre) y "El encierro". Andalucía (noviembre-diciembre). En 1915 pintó cuatro más, "El baile. Sevilla", desde enero hasta marzo, "Los toreros". Sevilla, desde marzo hasta mayo, "La romería. Galicia", durante el verano y "El pescado". Cataluña en el otoño.
El año 1916 sólo pintó "Las grupas. Valencia", en el que empleó desde enero hasta marzo; también el año siguiente, 1917, solamente un panel, "El mercado. Extremadura". Entre noviembre de 1918 y enero de 1919 hizo "El palmeral. Elche" y, finalmente, ese mismo año 1919 pintó el último de los paneles durante los meses de mayo y junio, "La pesca del atún. Ayamonte".
Esta muestra se podrá visitar hasta el próximo 18 de Enero de 2009. De Bilbao viajarán a Barcelona y a Madrid donde podrá contemplarse en el Museo del Prado, ampliada con otros doce cuadros de Sorolla de la Hispanic Society, y por último, repetirá en Valencia, ciudad en la que ha sido visitada por más de 450.000 personas.

Para mi gusto no es lo más bonito de Sorolla, particularmente me siento más atraída por el tipo de pintura que realiza con escenas de baño, mar, playas, etc...La luz del Mediterráneo y los azules del mar, los niños en las playas, las escenas costumbristas de pesca en Valencia, son insuperables, pero hay que reconocer la espectacularidad de estos murales y la maestría de Joaquín Sorolla que supo captar la luz del sol y sus sombras como nadie lo ha vuelto a hacer.

ana

Cuadro: "La pesca del atún" Ayamonte. Joaquín Sorolla, 1919

CARAVAGGIO

SE OYE EL ECO EN LAS MONTAÑAS Y ENTONCES, LLEGA LA OBSCURIDAD

[...] también ellas estaban inmersas en esa luz real de una hora cotidiana concreta, con todo su sol y toda su sombra: y sin embargo... sin embargo, dentro del espejo todo parece como suspendido, como con un exceso de verdad, un exceso de evidencia, que lo hace parecer muerto. Ante el caos luminoso de Caravaggio me quedo admirado pero un poco distanciado. La que me entusiasma es la invención de Caravaggio: es decir, el "diafragma" luminoso que hace de sus figuras unas figuras apartadas, artificiales, como reflejadas en un espejo cósmico. Aquí los rasgos populares y realistas de los rostros se pulimentan en una caracteriología mortuoria, y así la luz, aun estando tan empapada del instante del día en el que está captada, se fija en una grandiosa máquina cristalizada. No sólo el Baco joven está enfermo, sino también su fruta. Y no sólo el Baco joven, sino todos los personajes de Caravaggio están enfermos, ellos, que deberían ser por definición vitales y sanos, tienen, en cambio, la piel deslucida por una cenicienta palidez de muerte.
http://www.lighteducation.com/article.php?sid=482

Algunas transcripciones de la película de Derek Jarman "Caravaggio" :

Pobre mudo Jerusaleme, no servías para pastor. Parecías un verdadero San Juán traído del desierto:
Te enseñé los colores y cómo molerlos.
El cinabrio rojo sangre y el cardenillo
molidos con amapolas y linaza,
el arte del apresto y del glaseado
con suaves pinceles de ardilla.
Un compañero en mi
soledad.

Heráclito lo expuso de otro modo:
"El camino hacia arriba y el camino hacia abajo son uno y el mismo. "

Incertidumbre y duda, ¡larga vida a la duda!
A través de la duda
llega la perspicacia.

Una duda fría y azul
una infinidad de incertidumbres,
la marea negra ondea contra toques de luz de arsénico.
La obscuridad me está invadiendo,
ese inánima,
tener un alma violeta,
tu señor come con pecadores,
los sanos no necesitan un doctor,
solo los enfermos ictéricos,
¿Y los dioses?
Los dioses se han convertido en enfermedades,
pensamientos sin imagen,
perdido en el pigmento,
atrapado entre deshechos sin forma
de color ocre obscuro.

* * * * * * * * * * * * * * * * *

Tu cabello ondea obscuro
como los tentáculos de la medusa.
Tienes los dedos fríos,
el frío te está invadiendo,
tu sangre corre lenta,
el agua se lleva tu vida,
el castillo de un niño va a la deriva
en la espuma,
mi corazón se salta un latido,
intento alcanzarte mi Magdalena
ahogada en las aguas del olvido.

* * * * * * * * * * * * * * * * * *

Mira, mira,
sólo otra vez,
metido en la parte posterior del craneo,
imaginando y soñando,
y más allá del borde del marco,
obscuridad.
La noche obscura está invadiendo la habitación,
el hollín de las velas obscureciendo el barniz,
deslizándose por el estudio vacío,
envolviendo los cuadros heridos,
manchando en el crepúsculo.
Heridas de un cuchillo afilado
que te apuñala en la ingle,
así que jadeas y tragas aire,
arrancándote tu último aliento
a las estrellas
mientras la semilla cae
en las sábanas apergaminadas
y te hundes en la noche.

Floto en la superficie cristalina
del lago obscuro y quieto,
negro en la obscuridad silenciosa
como un eco.
Una mota en tus ojos,
parpadeas y me echas a rodar
engullido por el vórtice.
Salgo disparado a través
de las profundidades violetas,
el silencio indecible de estas aguas.
Una lágrima se forma y cae,
las ondas se extienden más allá
del horizonte más lejano,
más allá de la materia.
Centella, estrella,
te amo más que a mis ojos.

Cuadros:
1., "Narciso"
2., "San Jerónimo"
3., "El descidimiento"
4., "Cabeza de medusa"
5., "Amor triunfante"
6., "La muerte de la Virgen",
Caravaggio (Michelangelo Merisi), Italia, 1571-1610.

¡ CUÍDATE !

Los días se
afianzan a mí piel
cosidos a puntadas prietas
y pequeñas.

No dejan lugar a dudas:
sus huellas surcan el valle
de mi tranquilidad y mis ojos
ya parecen adormecerse
con el movimiento del mar.

Sosegada como las hojas en los estanques
aliviada de los pesos del recuerdo
me arrastran los soplos de un viento
y va concluyendo mi viaje.
Hasta aquí hemos llegado, compañera
no dudes en llamarme si te alteras,
si las voces te confunden,
si los necios te atormentan.

De nada servirá si no sabes
peinarte
y si sólo mesas tu cabello.

¡Prepárate!

Frente a frente,
de ti a ti misma
para llevarte encima,
sobre tu piel de fiesta
como seda brillante.

A duras penas te aconsejo
sobre algo que me costó entender.

Y así tú, vestida de ti misma
sal por el mundo,

!venga!
y llévate orgullosa
como un padre a su niña,
del brazo, del todo.
¡Comienza!.

ana

El cuadro: "Lady Agnew" J.Singer Sargent.

PALABRAS LÍQUIDAS

................Cuadro:"Amor dentro del Caos II" Nicoletta Tomás.

En el hielo de las palabras
que únicamente el calor de tu boca
es capaz de deshacer,
allí, en su centro surge el Gesto,
como núcleo indisoluble,
inderrocable, haciendo que todo
sea distinto.

Mi boca sedienta bebe el agua
de tu hielo de palabras.

¿Qué agua me hidratará cuando no estés,
cuando no hables, cuando no me abras
las puertas líquidas de tu boca?

¿Qué fluido surgirá del silencio
del hermético susurro, del despiadado
verbo?

¿Manará sangre
de las grietas de los labios
que ya no me besan,
que no lamen las palabras?

Sangre coagulada

los cubrirá entonces,

sequedad de esparto

al besar tu boca.

ana

FUGA

Cada cuadro de tu cuerpo,
cada espacio geométrico
estrangula la rigidez de tu boca,
dejando a solas
las comisuras de tu sonrisa,
crucifica cartesiano la ternura
que a duras penas respira
en esta cárcel lineal de barrotes extraños.
Las líneas se trazan con
paralelos entreactos
huyendo hacia un punto de fuga
en desesperada acritud.


Se escapan al infinito
hacia el lineal horizonte
como camino sin retorno,
en una inercia imposible
de traducir.

Diría,
buscando: las dimensiones,
la silueta de un gesto,
la corpórea realidad
de un beso,
de una sonrisa cercana
que te acompañe en el viaje,
que erija en calma
tu hipnótica
y solitaria prisión
y te guarde para siempre
y te permita sacar los brazos,
y las manos, por esos huecos
trazados
ofreciéndole un brindis
al espacio de la noche
constelada.

ana

El grabado: "La razón produce monstruos", de la serie "Los Caprichos", F.J. de Goya

Nota:"Los Caprichos" han INFLUIDO en varias generaciones de artistas de movimientos tan dispares como el Romanticismo francés, el Impresionismo, el Expresionismo alemán o el Surrealismo.

ARTEMISIA, Testimonio de una violación.

"La primera pintora de la historia" según dicen muchos, desarrolló sus cualidades artísticas en un momento en el que el arte la pintura era un coto exclusivo del hombre.Tenía 19 años aproximadamente cuando pintó este cuadro.
Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593 - Nápoles, hacia 1653) fue una pintora caravaggista italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639),uno de los grandes representantes de la escuela romana de Caravaggio.
Fue una de las pocas pintoras del periodo renacentista que pudo trabajar y vivir como artista. Su obra, marginada de los libros de historia hasta hace dos décadas, es bien conocida en la actualidad.Actualmente se conservan sólo 34 de sus pinturas.
A los dieciocho años, dado que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino, y por tanto le estaba prohibido, su padre le dió un preceptor privado, Agostino Tassi. Con él estaba trabajando en aquel tiempo Orazio, en la decoración de las bóvedas de Casino della Rose dentro del Palacio Pallavicini Rospigliosi en Roma.
Un escándalo marcó su vida. Tassi la violó en 1612. Al principio, él prometió salvar su reputación casándose con ella, pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció ante el tribunal papal. La instrucción, que duró siete meses, permitió descubrir que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometió incesto con su cuñada y había querido robar ciertas pinturas de Orazio Gentileschi. Del proceso que siguió se conserva documentación exhaustiva, que impresiona por la crudeza del relato de Artemisia y por los métodos inquisitoriales del tribunal. Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico y torturada usando un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a los dedos — una tortura particularmente cruel para un pintor. De esta manera se pretendía verificar la veracidad de sus acusaciones, pues se creía que si una persona dice lo mismo bajo tortura que sin ella, la historia debe ser cierta. Tassi fue condenado a algo menos de un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios.

Este es el testimonio de Artemisia en el proceso, según los documentos de la época:

Cerró la habitación con llave y una vez cerrada me lanzó sobre un lado de la cama dándome con una mano en el pecho, me metió una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos, y alzándome las ropas, que le costó mucho hacerlo, me metió una mano con un pañuelo en la garganta y boca para que no pudiera gritar y habiendo hecho esto metió las dos rodillas entre mis piernas y apuntando con su miembro a mi naturaleza comenzó a empujar y lo metió dentro. Y le arañé la cara y le tiré de los pelos y antes de que pusiera dentro de mi el miembro, se lo agarré y le arranqué un trozo de carne.

Un mes después del juicio, Artemisia se casó, en un matrimonio arreglado por su padre, con un pintor florentino, Pierantonio Stiattesi (o Pietro Antonio Stiattesi), un modesto artista, lo que sirvió para restituirle a Artemisia, violada, engañada y denigrada por Tassi, un estatus de suficiente honorabilidad.

La pintura "Giuditta che decapita Oloferne" (Judith decapitando a Holofernes) (1612 - 1613), que se exhibe en El museo napolitano de Capodimonte, impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada en clave psicológica y psicoanalítica, como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella había sufrido. Este escenario esta basado en la famosa pintura del pintor Caravaggio, pero la versión de Artemisia va más allá del realismo y le imprime a la protagonista un poder extremo. Ahora puede ser admirada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao hasta el 28 de Septiembre de 2.008 en su "Obra invitada"

Me dejó impresionada el sábado cuando vi este cuadro, la saña que se refleja en el rostro de Judith. No es de extrañar, hoy cuando he leído su testimonio, he entendido bastante del por qué.

ana

LA MAÑANA PARADA (poema surrealista)

"¿Y qué amaré si no es el enigma?" (Giorgio De Chirico)

"Volveremos a encontrarnos frente a frente con las sirenas de nuestro tiempo acicalado de virgen, y volveremos a afianzar la llave en la cerradura, y el ojo en los despeñaderos del placer y el olfato en el fruto maduro del día que muere."(EL REGRESO DE ULISES, Manuel Cortés Castañeda, Eastern Kentucky University).

La mañana, un instante de alfombra
para recibir en mi habitación el mar,
hundo las palas entre el pelo y la lana
clavo los remos en el parqué.
Navego mares, retorno ilusa
bajo la bruma del techo ardiente.
Ítaca espera fuera de mi ventana,
las costas eternas esperando siempre
ser arribadas.
En los armarios, recuerdos ordenados,
pulcros zapatos de otra estación,
a un lado la simpleza, al otro la nostalgia,
siembran las orillas de un mar geométrico.
En las paredes de este cuarto,
irónicos
cuelgan mis cuadros
en perspectiva rectilínea
que conduce
sólo y siempre al centro.
La puerta del exilio
siempre abierta
entreabre la nada,
una ventana sin hojas que tienta mi salto
y siempre espera,
abierta.

ana

El cuadro: "El retorno de Ulises" Giorgio De Chirico.
"Ha superado el viaje de la vida; así cabría pensar. ¿O no se trataba más que de los sueños de quien se había quedado en casa? Quien ahora retorna, ¿Ha estado de verdad de viaje?"
Pag.88 "De Chirico" Magdalena Holzhey, edit. Taschen...Comprado ayer en el Mvseo de Bellas Artes de Bilbao.

"...Fugaz e indeterminado, como un sueño ha comenzado
esta historia y no sé, en verdad, si fue real."...

Ismael Serrano, "El camino de regreso"

href="http://http://www.purojazz.com/articulos/plastica/dechirico.html">

COSIDOS

Tu y yo estamos cosidos a la misma sombra,
al mismo insomnio y a sus horas ciegas,
atadas nuestras vendas,
anudados vestigios y al galope las fieras.

¿Dónde?

muda la arena bajo mi sombra extrema,
silencios
dispersos como pájaros perdidos en la noche.

ana
>

Cuadro: "Sea serpents" (detalle), Gustav Klimt.

SI VOUS N' AVEZ RIEN A ME DIRE...

CANCIÓN II

Si nada de mí queréis,
¿por qué os acercáis a mí?
Y si así me enloquecéis,
¿por qué me miráis así?
Si nada de mí queréis,
¿por qué os acercáis a mí?
Si nada intentáis decir,
¿por qué mi mano apretáis?
Del hermoso porvenir,
de la dicha en que soñáis,
si nada intentáis decir,
¿por qué mi mano apretáis?
Si queréis que aquí no esté,
¿por qué pasáis por aquí?
Sois mi afán y sois mi fe;
tiemblo al veros ¡ay de mí!
Si queréis que aquí no esté,
¿por qué pasáis por aquí?
Victor Hugo
Versión de Salvador Díaz Mirón

Para los que queráis: "Cantado y en francés"

El cuadro: "Amapola de maiz" de Kees Van Dongen, 1919 (Museo de Bellas Artes, Houston)

CASA-MVSEO SOROLLA

Eran las once de la mañana, después de cuatro horas de conducir, llegué a su puerta. Allí se erigía cual cueva dinástica de civilizaciones extinguidas, pero no era eso, era, fue, su casa.

Sus cuadros, sus cosas, su estudio, su jardín, su reloj de sol junto al banco de cerámica, su fuente, su estanque... trazos memorables de una mañana de sábado, de un día de Mayo, de un momento desgastado de tanto pensarlo.

Las horas pasaban masticando rostros apenas insinuados, me llenaron el alma de placer, al punto del estremecimiento. Mi piel se convertía lentamente en esponja y absorbía el aire, el efluvio de las olas y las playas, el azul de los cielos y los mares, el estático movimiento de sus telas, de su brisa, de su blancura de colores.

Sus pinceles derrotaban al cansancio y empapaban mis ojos con agua del Mediterráneo; en silencio, concentrando sus fuerzas desde lo alto, incitando al sol que entraba por el lucernario.


Clotilde vigilaba su casa desde todos los rincones, el hogar, dilatado, ante las guirnaldas y hiedras que sombrean el patio.


Ella velaba en la distancia, la complicidad de la vida cotidiana y de familia que allí dentro quedó, pintando las paredes de dulce de fruta y de silencios de tarde desaparecidos para siempre.

Las mareas de espíritu mediterráneo inundando las paredes, los rostros disipados, las muecas grabadas en el tiempo, aprendidos paisajes, familiares cuerpos de niño y balandro surcando orillas de infancias eternas. Parasoles y siglos de trabajosos oficios, pescadores de recuerdos en el exilio de un nostálgico mar de Sorolla en el centro de Madrid.

ana

...Llueve la luz,
y sin aviso
ya es una ninfa fugitiva
que el ojo busca clavar viva
sobre el espacio más preciso...

Rafael Alberti, "A la pintura"(Poema del color y la línea)

http://www.mcu.es/museos/CE/MuseosEstatales/Arquitectura/Sorolla.html

"VUELVE" Y " EN UN ATARDECER"

" Cuando emprendas tu viaje a Itaca pide que el camino sea largo, lleno de aventuras, lleno de experiencias ..."




VUELVE

Vuelve a menudo y tómame,

amada sensación, vuelve y tómame

-cuando del cuerpo la memoria se despierta,

y un antiguo deseo vuelve a pasar por la sangre;

cuando los labios y la piel recuerdan

y las manos sienten como que tocan otra vez.

Vuelve a menudo y tómame en la noche,

cuando los labios y la piel recuerdan...

EN UN ATARDECER

Con todo no podía eso durar mucho.

La experienciade los años me lo muestra.

Pero sin embargo un tanto abruptamente

vino el Destino y lo detuvo.

Breve fue la hermosa vida.

Mas cuán intensos fueron los perfumes,

en qué maravillosos lechos nos acostamos,

a qué placer nuestros cuerpos entregamos.

Un eco de los días del placer,

un eco de aquellos días vino hasta mí,

algo del ardor de nuestra juventud;

volví a tomar en mis manos una carta,

y leía una y otra vez hasta que me faltó la luz.

Y salí al balcón melancólicamente

-salí para cambiar de pensamientos mirando al menos

un poco de la ciudad amada,

un poco del movimiento de la calle y los negocios.

De:
100 Poemas[Textos completos]
Konstantino Kavafis
POEMAS CANÓNICOS (1895-1915)

El cuadro: "Mujer leyendo una carta junto a la ventana abierta"1657: Gemäldegalerie, Dresden- Johannes Vermeer.

EL CAOS DE BABEL

Torre de Babel, 1563-Pieter Bruegel, el Viejo-Museo Kunsthistorisches (Viena)-Oleo sobre tabla 114 x 155 cm.-Pintura Flamenca

Aquí estoy ciñendo el caos, llegué tan sólo hace una hora

o poco más. De mi cansancio te cuento...

Han sido largas las jornadas.

El aleteo de mariposa y sus efectos en mi alma,

de un orden que ya no es orden y la gloria que eso me causa.

En este desorden pausado en este devenir, me planto.

Nuestras lenguas, ahora, no se entienden,

se mezclan voces y espantos con el vértigo y la altura

que nos dejaron los años.

Atrévete, me dijo, y me fui sin contestarle.

Acércate para tocarte, hablemos con los sentidos,

el lenguaje universal de sabios,

seamos amigos.

Su voz de caracol, mi voz de hoja verde.

Me dí la vuelta.

Lánzate al vacío, ya no hay vuelta posible.

Le miro, sus ojos leves, sin gravedad se sostienen.

Las manos se juntan para un mismo salto.

Llueve. Ya nada es lo mismo.

ana

HERMES TRISMEGISTO

http://es.wikipedia.org/wiki/Alquimia
"Hermes, tres veces grande" (El espíritu intermediario entre los dioses y los hombres, de una deidad instructora y educadora, de un curandero divino que revela sus mensajes a todo verdadero iniciado: el que ha pasado por la muerte y la ha vencido.) (Leer más)

EL ALQUIMISTA

Lento en el alba un joven que han gastado
la larga reflexión y las avaras
vigilias considera ensimismado
los insomnes braseros y alquitaras.
Sabe que el oro, ese Proteo, acecha
bajo cualquier azar, como el destino;
sabe que está en el polvo del camino,
en el arco, en el brazo y en la flecha.
En su oscura visión de un ser secreto
que se oculta en el astro y en el lodo,
late aquel otro sueño de que todo
es agua, que vio Tales de Mileto.
Otra visión habrá;
la de un eterno Dios cuya ubicua faz es cada cosa,
que explicará el geométrico Spinoza
en un libro más arduo que el Averno…
En los vastos confines orientales
del azul palidecen los planetas,
el alquimista piensa en las secretas
leyes que unen planetas y metales.
Y mientras cree tocar enardecido
el oro aquel que matará la Muerte,
Dios, que sabe de alquimia, lo convierte
en polvo, en nadie, en nada y en olvido.

Jorge Luis Borges.

El Alquimista busca la piedra filosofal, con la que lograr la habilidad para transmutar las substancias impuras en su forma más perfecta, oro en la naturaleza metálica y la vida eterna en la naturaleza animal.


* * *
DE ALCHEMIA

Toma mis palabras,
excesivas, torpes, necias...
haz de ellas una mezcla,
tritúralas,
busca sus esencias.
Muélelas bajo piedra
o en la almazara de tus manos,
destila con tu calor
distante,
mis volátiles impulsos.

Ciérneme.

Cual alambique
condensa mis vapores,
déjame luego enfriar
desde este sudor de alcoholes,
para extraer de mis versos,
tus oros.
Mágicas fuerzas, tabla esmeralda,
alquimia de sensaciones
capaz de llenar de ausencias
este crisol de emociones.

ana

Retrato de Dmitri Ivánovich Mendeléyev (ruso: Дми́трий Ива́нович Менделе́ев por Iliá Repin.

"LA NOSTALGIA DEL INFINITO"

«Detente, instante, eres tan bello».

El verso goethiano da voz al deseo imposible de capturar un proceso que no se detiene. Hay en él un indudable poso nostálgico, cierta melancolía. La nostalgia entonces que se acomoda como una brisa triste en lo que ha sido, lo que una vez se hizo presente, cierta verdad desaparecida con el instante.

La melancolía surge de la aspiración incumplida por proyectar un momento a lo largo del tiempo; por apropiarnos del destino de la Historia que se va conformando a través de la supremacía de un instantáneo autónomo. Nostalgia, melancolía; pero también proyección o tensión vulnerada hacia algo.
Correspondencia de acción y borrado, work in progress; movimiento continuo hacia otra forma, incierta e insegura como el instante que cambia, lo otro de la forma, ahora y siempre en busca de otro modo en el que testimoniar, encadenar una imagen de sueño. Afirmación que ha de ser buscada en cualquier lugar, en otro lugar, en otro tiempo, fuera del tiempo: utopía. Pero, a menudo, también, utopía negativa, profetización, promesa de ruina. Un instante es una forma enigmática. La tentativa de captar el instante convoca por ello la ruina. No se puede aprehender más que como experiencia vivida a través del desmoronamiento: acción sin poder, acción de observar «desesperada» como la quiebra edípica de la visión. [...]

Alberto Ruiz de Samaniego

El cuadro:

"The Nostalgia of the Infinite" Giorgio de Chirico - Museum of Modern Art, New York City(1.911?)

Un video sobre Giorgio de Chirico http://es.youtube.com/watch?v=D3GjVlnQm1A

SOLO QUIERO

Quiero ropajes sencillos para mis palabras,

No quiero complicar a mis neuronas en viajes baldíos.
Quiero sencillo el calzado para caminar los libros,
que mis pies descalzos,

a veces

sientan el frío y el cansancio,

para llegar al fondo inexistente del pozo.


Quiero el hurto sencillo,

que mis manos sientan el beso,

que mis ojos te sonrían,

quiero la altura precisa,

no quiero ser nube
cubriendo el cielo.

No quiero ser lienzo para que tú lo pintes,
ni tu paisaje,

tu rostro,

ni tus versos,

ni tu reto.

ana.

Imágen:"Breakfast with lion" Jana Brike, 2007 />Música: "Humility" de Wim Mertens.

LYTTON STRACHEY & DORA CARRINGTON

Retrato de Lytton Strachey, de Dora Carrington

Conversación:

Dora:
- Por qué es tan exigente? (refiriéndose a Gerald Brenan)

Lytton:
- Sin duda, porque no ha comprendido que los que se aman nunca deberían de vivir juntos. Cuando lo hacen, el resultado inevitable es que, o bien dejan de quererse o bien se vuelven locos mutuamente.
- Díselo

Dora:
- No me creería.

Lytton:
- Los idealistas son un incordio, nunca puedes convencerles de que no existe lo ideal.

Extracto de la conversación entre Dora Carrington y Lytton Strachey, en "Carrington" de Christopher Hampton.

Los tres, Gerald Brenan, Dora Carrington y Lytton Strachey, formaron parte del grupo de "Bloomsbury".

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Música, Michael Nyman, compositor de la B.S. de la película "Carrington"

ESPEJISMO

Si, sueño que vienes a buscarme desde el gravoso olvido,
retomas el camino de vuelta pedregoso, contenido y dejas
miguitas por el camino, por si te pierdes, por si me pierdes.

Vas riendo mientras pueblas el silencio con suspiros,
y la emoción te embarga, ¡cuánto tiempo caminado!,
años de no pensarte, de pensar, de sostenerme viva
para esperar sentarme a tu orilla y respirar.



Contarte de los atroces amaneceres rojos,
que hieren la retina y ahogan la garganta,
del viento limpio de mañana, del viento sur, que me hizo
contemplarte en la distancia,
espejismo.

Y desmiento cualquier bulo, que me diga que no estás,
que dejaste tus quehaceres, tu casa, tu territorio.
Que ahuyentaste el silencio que bordeaba tu aldea
para pedirle paso al tiempo y salir pitando.
Para labrar un hijo que coseche tu tesoro,
que desentierre los cofres que dejaste en tu huerto,
y lleve tu nombre colgado en una pequeña medalla.


ana.

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El cuadro: "The house that stands alone" Judith Williams.